Ténu, mais comme en bien d'autres choses, une inspiration, ce n'est pas grand chose, ce qui compte c'est l'exécution. Et Christopher Nolan a magnifiquement travaillé. C'est un film à l'ancienne: le scénario est particulièrement soigné (et redoutablement pervers), les effets visuels évitent l'impression de jeu vidéo qu'on retrouve trop souvent maintenant, et tous les acteurs, sans exception, sont irréprochables. Inception marque par son inventivité, par son imagination visuelle, et Nolan arrive à éviter tous les écueils de son sujet: pas besoin de guider le spectateur par la main, ou de lui asséner de la philosophie à deux sous à la Matrix. Une histoire, un vrai film-monde (des mondes, plutôt), une vraie texture.

Si il y avait une comparaison à trouver, cela serait probablement moins du côté des Matrix, Strange Days, etc que du très sous-estimé eXistenZ que de : on y retrouve le mélange des niveaux de réalité et surtout, point commun qui m'a frappé, le soin apporté aux décors et l'impression d'être dans un monde complètement générique, anonyme.

Dark Knight, The Prestige et les autres films de Nolan s'approchaient de quelque chose. Avec Inception, on y est.

Et c'est quoi l'esprit d'Indiana Jones ? C'est avant tout ce bon vieux fantasme de Lucas et Spielberg sur les "matinees", ces petits films de série B projetés en journée ou le matin. Les feuilletons sur grand écran. Les aventures de Roger l'explorateur dans les mines transylvaniennes du Roi Salomon. L'aventure de la mite géante. Etc. Et le duo ne s'est jamais caché de vouloir retrouver cette esprit là, en l'adaptant au cinéma des années 80 pour Indy (et même pour Starwars, Lucas a toujours défendu de vouloir faire du space-opera à cette sauce là).

Alors bon, Indy a toujours été nourri à ce lait là: du vrai héros reconnaissable à 100 mètres, des effets spéciaux comme à la maison, le scénario qui ne cherche pas à construire des cathédrales, et surtout des méchants, de la jungle, des courses-poursuite et de l'humour.

Et à cette aune, Indy 4 est une réussite, et dépasse même les 3 premiers opus: merci à Spielberg et Lucas de n'avoir pas essayé de revamper la série dans du soigné-packagé-digital-bien tourné. Des vrais méchants (Cate Blanchett, qui prouve encore que Lucas n'a aucun goût en matière de coiffure). Le contexte est même plus riche que d'habitude (les nazis étaient là pour le décor ou le gag dans I-II-III) avec la paranoïa des 50" finalement pas si mal rendue, les grandes peurs de l'époque, et un petit goût de complot et d'histoire parallèle un peu plus riche qu'avant. Et puis ce n'est pas désagréable de voir des héroïnes qui ne sont plus justement dans le type même des premiers Indy, les héros ont vieillis, les héroïnes aussi, et c'est très bien. Et on retouve encore l'artisanal, les effets spéciaux qui se voient comme à l'ancienne, les courses en bagnole - incroyables, au sens propre -. Le scénario ? on s'en fout autant qu'avant, du moment qu'on voit de la jungle, des fouets, des artefacts maléfiques et des trajets d'avion qui se dessinent sur une carte.

Ça serait pour le coup assez paradoxal de reprocher tout cela à Indy IV, c'est exactement ce qu'on aimait dans les trois premiers opus, et pour le coup, Spielberg et Lucas ont été beaux joueurs en se contenant et respectant l'esprit et la lettre, et envoyant balader les ronchons du "c'était mieux avant" qui ne se rendent pas compte que justement, c'est tout aussi mauvais qu'avant et que c'était justement ce qu'on adore.

Le tout donne un film assez léger et agréable, qui réussit quand même l'exploit de ne rendre personne (à commencer par le personnage principal) foncièrement antipathique, ce qui n'est pas son moindre mérite. Pour le reste, c'est pétillant et ça passe vite: la mise en scène n'est pas révolutionnaire (voix off, petits arrêts sur images, etc - on se croirait dans les poupées russes), les seconds rôles sont plus grands que nature (mention spéciale au Grand Agent hollywoodien), c'est divertissant, et on en demande ni n'attend beaucoup plus.

Et un bon point au générique de début (j'adooore les bons génériques), au graphisme de paquets de cigarettes années 50, nerveux, élégant et très réussi.

Donc, "a scanner darkly" (joli titre, soit dit en passant), c'est la plongée dans le monde glauque, psychotique et paranoïaque d'un agent des stups infiltré dans un groupe de petits dealers, dans une amérique encore plus glaque, psychotique et paranoïaque que la réalité. Et, comme souvent chez Dick, le double jeu ne suffit pas, et le personnage se retrouve au croisement de trois personalités, plusieurs épaisses couches de mensonges, quelques manipulations, et complètement paumé - au moins autant que le lecteur, euh, spectateur. Donc, sur ce point, "a scanner darkly" est une réussite: l'ambiance des écrits de Dick est fidèlement retranscrite: drogue, folie, persécution... toutes les qualités, mais aussi les défaults, les passages à vide, le manque de rythme.

Et l'autre bonne tentative réussie c'est d'avoir trouvé une forme originale pour raconter le tout: un film classique avec force effets spéciaux serait probablement tombé bien à plat (cf. Total Recall). Le rotoscoping des prises de vues fonctionne bien, très bien, et ce monde où les objets eux mêmes sont parfois un peu changeants, mobiles, hésitant, stylisé est parfaitement raccord avec la trame. On pourrait juste regretter qu'à part quelques séquences (quasiment toutes autour du personnage de junkie Charles Freck), Linklater ne pousse pas les possibilités du medium encore plus loin dans le mélange entre réalité et hallucinations. Le générique de début, mi-dégoûtant, mi-comique est une grande réussite, mais reste trop isolé.

Qu'est-ce qui empêche "A Sacnner Darkly" de monter au niveau de l'Adapatation indépassée de Dick, Blade Runner ? Peut-être un film trop fidèle à l'oeuvre originale et à son esprit ? Moins universel ? peut-être qu'un film plus rythmé, plus vaste aurait été possible ? peut-être la plongée dans la confusion du malheureux protagoniste est-elle, justement, un peu trop confuse ? peut-être que le film aurait mérité 'un peu plus de cinéma, de mise en scène ?

Bref, une belle réussite, mais frustrante, on n'échappe pas au regret de n'avoir pas vu LE film qui aurait réussi à passer totalement l'univers de Dick sur grand écran.

Le film, comme souvent chez Cronenberg, est sec comme un coup de trique, l'ouverture ne s'embarrasse pas longues scènes d'expositions, le final est un crescendo coupé brusque et même les scènes "de genre" n'en respectent guère les codes: au lieu de longues scènes en faux départs pour faire monter l'angoisse, Cronenberg filme une juxtaposition de petits pics horrifiants en forme de coups de poing.

Un peu comme plus tard eXistenZ, la Mouche n'est pas dépourvu d'un humour un peu décalé, souvent lié à l'énorme de certaines situations, on n'est pas loin du "rire panique" cher à Topor. Même si quelques minutes plus tard, on n'a plus envie de rire du tout: avec des séquences comme la scène onirique, Cronenberg réussit à toucher du doigt des angoisses diablement profondes.

Autre trait caractéristique: le "statut" du monstre qui bouge en permanence dans le film: humain ? surhumain ? monstre ? victime ? bourreau ? enviable ? méprisable ? la métamorphose - physique et psychologique (cf. le monologue sur 'la politique des insectes') de Seth Brundle est un glissement vers "autre chose" répugnant peut-être, mais qu'aucun des personnages ne refuse en bloc. J'ai été frappé de voir le thème de la chair revenir aussi souvent et clairement dans les dialogues.

Le final est fascinant car totalement dans la logique de fuite en avant du film, loin de revenir vers une situation connue, la Mouche finit dans une fusion encore plus totale, les cartes sont battues une dernière fois, et de façon radicale.

Bref, Tournage dans un jardin anglais est une heureuse surprise. Film dans le film, récit de tournage d'une adaptation inadaptable, foutoir total pas loin du non-sense anglais, coups de griffe hilarants au tout à l'ego du monde du cinéma, enrobé dans un contexte de film historique, où l'on parle de la difficulté de naître, de l'effet circoncisant des guerres et des éléments d'architecture, de l'expérimentation de forceps sur divers accessoires et de vodka tonic. Et de l'érotisme du cinéma allemand.

Bref, c'est l'éclate, et les acteurs sont pas les derniers à se régaler. En particulier les chamailleries pince sans rires des deux co-vedettes, Steve Coogan et Rob Brydon.

Le plus beau ? Pendant tout le film, j'ai admiré l'idée de faire un film sur un film adaptant un livre imaginaire. Et que le tout est tellement loufoque, bien fichu et prenant que je me disais que l'idée dudit roman "post-moderne du XVIIIème" fictif était superbement trouvé, que les quelques scènes qu'on en voyait étaient tellement jubilatoires qu'on marchait à fond. Et ce n'est qu'à la fin du film, pendant le (très drôle) générique que j'ai percuté que "l'inadaptable roman" -dont je n'avais, honte à moi, jamais entendu parler- existait bel et bien. Chapeau.

Il y a plusieurs choses curieuses dans ce film, en le voyant avec le regard d'un spectateur de 2006. Déjà une certaine fraîcheur dans les rapports humains (en particulier le père et la mère) qui rend difficile la caricature (il serait aisé de classer le père en chef de famille rigoriste et borné ... mais non).

Ce qui est aussi assez étonnant, c'est le contraste entre un ton qui est finalement très, très sirupeux, et un fond souvent assez brut, socialement parlant: mise en cause de l'hypocrisie religieuse, les appels à la grève, les injustices sociales. La mise en scène et la photo est d'ailleurs souvent très soignée, et assez moderne. La voix-off est probablement ce qui a le plus vieilli, avec son texte assez pompeux et le ton de la voix un peu chantant, on se croirait parfois dans une des Silly Symphonies de Disney de l'époque.

Bref, un mélange assez étonnant: ni tout à fait grande tragédie, ni comédie romantique, ni grand film social de l'époque, un mélange de tout ça, qui, si l'on enlève quelques couches de sucre et de bons sentiments, fonctionne toujours très bien.

Mais.

Mais c'est frappant de voir Peter Jackson, dans un de ses premiers films, sujet aux mêmes tics et problèmes que maintenant. Les mouvements de caméra un peu kitsch (ah, la prise de vue qui tourne autour du personnage en haut d'une colline, ah, la caméra au ras du sol). Les fins de films sans rythme qui tombent à plat. La tendance au plus gros, plus fort, plus de grimaces. Bref, on se retrouve à regarder ça avec un brin d'ennui et d'abattement, un peu comme regarder le gus d'à coté au café qui roule des mécaniques en racontant des platitudes.

"Dans la peau de Jacques Chirac" est assez bien vu pour pas mal d'aspects: l'ancrage local - parce qu'il faut une base arrière et les parcours en long, large et travers de la Corrèze par l'éternel candidat sont savoureux. Et même plus largement, voir l'éternel candidat en pilotage automatique, serrant les mains sans cesse, répétant robotiquement la même petite phrase à faire mouche, les petits dessous des rencontres avec le peuple, la presse, les dignitaires. Les mises en scène grandiloquentes et ridicules (ne manquez pas le film d'horreur de l'hotel de ville, ou les chansons de campagne du RPR, de 1977 ou de 1981).

Pour les cotés frustrants: on reste sur sa faim pour le Chirac grand prédateur, redoutable tueur politique. Le tableau de chasse est bien brossé, de Chaban à Balladur, de Séguin aux rénovateurs. Quelques scènes sont absolument terribles, comme Giscard évitant de serrer la main de Chirac ou un long travelling sur les jeunes loups aux dents longues du RPR, tous flingués politiquement ou judiciairement. Le Chirac qui trouve plus fin politique que lui avec Mitterrand (et qui resservira certains trucs dûment appris à Jospin).

Et finalement, c'est le plus attendu qui intéresse presque le moins: les revirements incessants, la capacité à défendre sans sourciller tout et son contraire, les affaires, les pschit abracadabrantesques. Parce qu'on a le sentiment de tout savoir. Et parce qu'on se retrouve presque un peu gêné à se retrouver à considerer ça comme banal, et que le film fait de même.

Deux derniers détails frappants. Une phrase terrible du pseudo-Chirac en voix off, qui remarque en passant qu'il a toujours été très fort pour conquérir le pouvoir, sans jamais vraiment savoir qu'en faire ensuite. Et aussi une impression floue et tenace de reconnaître dans le Chirac de la marche au pouvoir un Nicolas Sarkozy bien actuel: mêmes jeux avec les thèmes 'qui marchent', même énergie politique totale, même pragmatisme - pour ne pas dire opportunisme - constant.

S'ensuit un curieux mélange de chronique femme-et-enfants, de réalisatrice dépassée par son sujet, d'acteurs égocentriques, de film dans le film. Et ça patine un peu: le début de film est un peu bancal, l'intrigue familiale met du temps à se placer, la réalisatrice reste longtemps un peu creuse, et les passages imaginaires sur le film en train font envie et frustrent. Et puis, subitement, les pièces tombent en place, et la seconde moitié du film devient passionnante. Les personnages ont pris de l'épaisseur, le Berlusconi de fiction prend chair, et le final arrive enfin à faire naître des émotions. Curieusement, c'est une fois les gamins absents des scènes que la trame familiale arrive à quelque chose de fort, et le film dans le film trouve enfin sa conclusion frontale, réelle, et totalement glaçante.

Mais finalement, la grande question posée par le film, c'est: est-ce qu'il est encore possible de faire un film politique en 2006 ? Comme les grands films politiques des décennies précédentes, à la manière de ce que jouait Gian Maria Volontè, comme rappelé à l'envi dans ce film ?
Et la réponse est simple: non. Impossible, c'est plus l'époque, terminé, y'a rien à voir, circulez. Comme le remarque Nanni Moretti lui-même dans le film, c'est fini, Berlusconi a gagné il y a 20 ou 30 ans. Et finalement, les raisons économiques (cf. la scène de la RAI tout de suite gênée par le sujet) ne sont pas forcément le noeud du problème: comme le film dans le film le pointe, Berlusconi a réussi à changer la société. Et là encore l'acteur Nanni Moretti le dit: il n'y a plus rien à révéler: tout le monde sait exactement ce qu'il en est, il n'y a plus de masques à faire tomber, plus de régime à dénoncer. La mise à nu n'en est plus une. Il n'ya plus qu'à tourner autour, louvoyer, montrer ces personnages consumés par la volonté de faire ce film, qui eux, êtres de fiction, ont encore le luxe de croire pouvoir changer les choses.

Et du coup, on comprend mieux le choix de Moretti, tout en restant frustré du film qu'on ne verra jamais.

Un: Almodóvar signe un film à la fois dans la lignée des précédents (et en particulier le tiré au cordeau et théorique "La mauvaise éducation") et des plus anciens. Couleurs, folies, femmes, rouge, mères, mort. Les actrices sont évidemment formidables. Histoire de femmes, de filles, de mères, de morts, de fraternités et un grand tourbillon pour mélanger tout ça.

Deux: Almodóvar est un extraordinaire raconteur d'histoires. Parce que parler d'excellence du scénario ou de la mise en scène ne serait pas faire justice à l'ensemble. Tout fonctionne, tout s'imbrique, et il est capable de faire avaler absoluement n'importe quoi au spectateur, tout et son contraire, sans qu'à aucun instant on ne sorte du récit. Si Almodóvar posait à un moment comme principe que si danser le jerk en lisant l'annuaire permet d'aller sur la lune, on serait prêt à admirer les cratères l'instant d'après. Et réussir ça sans passer par les artifices du second degré et autres connivences avec le spectateur, c'est fort, très fort et il est un des très rares à réussir cela maintenant (peut-être avec Jeunet).

Trois: pourquoi Volver n'est pas tout à fait un chef d'oeuvre ? Parce que le film manque quand même un peu d'enjeu ? Parce que certains personnages (surtout les hommes) sont vraiment trop à l'état d'ébauches ? Parce qu'hormis le plaisir tient de la satisfaction de l'amateur de puzzles et que l'on reste un peu en dehors ? Dur à dire.

Je n'ai pas de problème avec le parti-pris de Sofia Coppola: montrer la reine principalement dans ses années d'insousciance et traité cela comme une version XVIIIème de la vie dorée de la jet set. Au contraire, d'ailleurs, et le style de la bande annonce m'avait totalement convaincu. Mais dans le film, on ne retrouve pas cette énergie, ce coté jusqu'auboutiste dans la décadence.

Alors pourquoi ? Problème de construction ? avec un film déséquilibré entre une ouverture et un final assez courts et un long tunnel d'amusements au milieu ? Problème de dialogues ? Ce n'est sûrement pas le choix de l'anglais qui me gène ici (Les Liaisons Dangereuses ont prouvé que ce n'était pas un problème), peut-être plus le fait de ne pas l'assumer et de parsemer le tout de bribes de français ou d'anglais si manifestement parlé par des français ? Le fait que le texte manque singulièrement de mordant ?

Un autre endroit où le film ne fonctionne pas du tout non plus, c'est quand il s'agit de faire passer le grondement souterrain qui va aboutir à la fuite de la royauté. Quelques répliques parlent de modération financière, quelques plans très mal intégrés montrent Louis face à ses ministres, et les emeutes à Versailles sont présentées d'une manière tellement cheap qu'on frôle le ridicule. Là encore, ce qui me gène n'est pas de faire l'impasse sur la situation extérieure aux palais - c'est le principe du film -, mais c'est de le voir le film l'amener par la bande d'une manière si maladroite. D'autant qu'avant les émeutes populaires il y a eu bien des coups de semonce, et certains relevant franchement des intrigues de cour, comme l'affaire du collier qui a continué à démolir la réputation de la reine.

Alors qu'est-ce qu'il reste ? pas grand chose. Kirsten Dunst s'en tire merveilleusement bien, Asia Argento est parfaite en Du Barry, ancienne courtisane méprisée par la cour. Visuellement, à part quelques moments génant, c'est très réussi, même malgré une mise en scène un peu sage. En fait, c'est le début du film qui est le plus impressionnant: les cérémonies glaciales de passage de la frontière, l'arrivée à Versailles parmi une foule hiératiques, figée et poudrée - et on pense à Barry Lyndon aux masques de Eyes Wide Shut, ce qui n'est pas un mince compliment.

Et c'est ensuite que cela se gâte, avec ce long trajet sans rythme dans les fastes de Versailles, comme si Sofia Coppola, aveuglée par les ors et la singularité de son projet n'avait plus rien trouvé à raconter.

C'est complètement fauché, rigolo, avec pas mal de jolis petits gags visuels. C'est quasiment un film sans dialogue qui fait penser à un Aaltra en moins méchant, bref un OVNI. Le seul vrai reproche qu'on pourrait lui faire, c'est qu'un film qui joue comme ça du décalage, du visuel, se doit de tenir la distance, et l'iceberg manque parfois un peu de rythme.

Raffraîchissant.

Et évidemment, tout détracteur aura forcément manqué l'objet du film, et devrait d'ailleurs avoir honte de son manque d'humour, l'ignoble personnage.

Mais à la réflexion, le meilleur moment du film, c'est probablement le générique de début, en pur délire graphique années 50, un peu dans ce qu'avait imaginé Pixar pour Monsters, Inc. Ça a l'autre avantage que l'on y voit pas Jean Dujardin, qui tente de faire un mix entre Buster Keaton et Peter Sellers, et n'aboutit qu'à un rejeton batard de Louis de Funès croisé au Michel Galabru. On a mal pour lui.

Mais le problème, le gros, l'énorme problème est que le film est franchement gâché par un scénario faible (trop d'enjeu tue l'enjeu... - et pourant il y avait à faire dans le parano/complot futuriste) et des dialogues ratés. Alors oui, on flirte avec les codes du film noir, mais le dialogue - ou le doublage ? - a un coté un peu amateur qui fait grincer des dents devant pas mal de scènes, et paradoxalement, en fait oublier la splendeur visuelle.
Bref, c'est crispant, et on repense au motto d'un John Lasseter au sujet des Pixar: "l'histoire, l'histoire, toujours l'histoire". Alors oui, c'est agréable de voir un studio français sortir un film qui en flanque plein les yeux, mais les américains restent encore devant en 'storytelling', et savent éviter de gâcher la forme avec le fond.

Parce que "Capote" est vraiment intéressant, tant pour son objet que dans le traitement. Le scénario tient en quelques lignes: après un quadruple meurtre dans le Kansas, Truman Capote se rend sur place pour espérer y trouver matière pour un article ou un livre et se retrouve fasciné par le fait-divers et les deux meurtriers, qu'il suivra jusqu'à l'exécution.
Loin d'être un film de procès à l'américaine, un thriller, ou un combat contre la peine de mort, le film se sert de ces matériaux pour traiter de quelque chose de très différent: la création artistique et comme l'écrivain peut devenir obsessionnel, un véritable vampire pour son sujet.
Et c'est très bien traité: Philip Seymour Hoffman est absolument formidable en génie et monstre égocentrique, charmeur et pitoyable, et la collection de second rôle (Chris Cooper et Catherine Keener en tête) participe au charme. Mais mais mais... il manque quelque chose. Du rythme ? Le film n'a pas vraiment d'aspérités dans son déroulement ? Un peu de mise en scène ? Certains plans de campagne désolée et plate Kansas se retrouvent posés là un peu au hasard, sans que le film n'y gagne vraiment quelque chose (rien à voir avec Fargo ou Paris Texas où l'environnement était un vrai personnage du film), et même la montée vers le dénouement final est un peu plan-plan. Curieux
Un bon point pour finir: ça donne envie de lire le "De sang-froid" de Capote.

La scène-cle du film, c'est ce moment où un agent de la CIA, usé par trop de terrain, se retrouve confronté avec des éminents membres de l'administration américaine qui s'attendent à entendre une confirmation de leur théories simplistes. Et où il ne peut que lâcher, renonçant à la fois à entrer dans le jeu et à s'opposer, un désabusé "C'est compliqué".

Alors oui, c'est compliqué. C'est pas simple de mêler dans une intrigue une lutte de succession dans un émirat, des magouilles financières et légales de supernationales du pétrole, les services de renseignements manipulant et se faisant manipuler, sur le terrain ou dans les bureaux, et les éminences grises, les guerres d'influences, la guerre sale des coups tordus, les intégristes et les endoctrinements.

"Syriana" joue très habilement avec cette complexité, refusant de prémâcher les intrigues et de guider le spectateur par la trame habituelle d'une fiction. "Syriana" c'est une tranche de réel, de magouille géopolitique, déformée, tordue, fictionisée, une de ces inventions qui en révèlent plus sur le monde que la bête réalité. Alors oui, il faut s'accrocher, ou plutôt accepter de ne pas tout saisir d'emblée, de ne voir passer que des pièces éparses de puzzle qu'on arrivera - ou non - à réunir au fil du film. "Syriana", c'est ces bribes de mise en scène, d'information, un dialogue, qui peu à peu composent un tableau terrible des guerres du pétrole, du moyen-orient.

La scène précitée sur les conceptions caricaturales de l'administration sur l'Iran en dit beaucoup sur d'autres conceptions primaires de certains faucons. Un "comité de libération" washingtonien et mondain rappelle les manoeuvres d'un Chalabi autour de l'Irak. On y voit aussi que la situation de certains musulmans au coeur des pays du Golfe n'a rien de reluisant, et que la barrière de la langue y est aussi haute qu'ailleurs. Mais "Syriana" ne se cantonne pas à l'explication, au démontage de rouages, c'est un film, un vrai film, qui regorge de plans sec, magnifiques d'autoroutes traversant le désert, de palaces uniformisés, de piscines vides à la gloire passée qui ont comme le parfum des mondes d'Enki Bilal.

Georges Clooney est impressionnant, changé, marqué, empaté, et Matt Damon, comme la plupart des personnages secondaires sont totalement investis. Pour moi, "Syriana" est un un cran très nettement au dessus de "Traffic", moins en effet de style, plus en ampleur. Et m..., ils sont forts ses américains, y aller au culot, de front, se coltiner des sujets politiques, chauds, sans compromis. Chapeau.

"Good night, and good luck" retrace la fin du McCarthysme et comment Ed Murrow, chef de l'information et présentateur a décidé de montrer les contradictions et le danger pour les libertés de la croisade du sénateur. Autre bonne idée de mise en scène: incorporer dans l'action les images d'archives. L'impact des imprécations de McCarthy et de ses délires anti-communistes (on n'est pas loin de Dr Folamour dans certaines de ses tirades) est bien plus grand que si il avait fallu faire rejouer le tout à un acteur.

Ironiquement, le film est finalement très classique: unité d'action, de lieu. Le noir et blanc granuleux, élégant fonctionne d'autant mieux que Clooney a réussi à rassembler un groupe d'acteurs qui montre une vraie envie de fonctionner en 'troupe' et dont les tronches sont tout à fait raccord avec ces 50's pas si magnifiées.

Dernier bon point pour le film: "Good night, and good luck" est loin d'être une célébration béate de la lutte contre le McCarthysme. Déjà parce qu'il ne fait pas l'impasse sur les liens délicats entre information et financements (le traitement du patron de CBS est à cet égard plutôt finaud et pas trop caricatural), mais aussi parce qu'il montre comment Murrow, tout en gagnant le combat médiatique contre le sénateur, a finalement perdu un autre combat, celui de faire de la télévision un média responsable, éthique et qui puisse servir à autre chose que l'entertainment.

Alors oui, on pourrait probablement voir aussi dans pas mal des dialogues du film des allusions assez directes à l'attitude de l'administration Bush, mais ce qui ressort le plus finalement est cette nostalgie un peu amère d'une manière de concevoir les médias qui n'a pas survécu longtemps aux rêves des pionniers du petit écran.

Ozon réalise quelque chose de très bizarre: un film qui se veut totalement réaliste, et dans le même temps, traversé de fantasmes.

Double fantasme de paternité: laisser une vie derrière soi, et en plus le faire en étant homosexuel. Fantasme de contrôle: vivre sa vie totalement, absolument comme on l'entend, sans laisser la moindre prise aux conventions sociales. Choisir qui voir, quoi faire. Garder l'ultime pouvoir, l'information, en refusant d'informer quiconque. Fantasmes de jouissances, en accumulant les moments de plaisirs purs, les envies, les découvertes, le sexe, une glace au chocolat.

"Le temps qui reste" n'est jamais aussi bon que lorsqu'il reste dans ces extrèmes: le personnage se met en scène en expérimentateur de sa propre marche à la mort, et regarde assez détaché l'impact de ses gestes, de ses vérités sur les autres.

Alors, quoi ? Grand film ? Peut-être par son sujet, c'est si rare de voir un cinéaste français se prendre de front le thème de la mort ? Mais alors, pourquoi plomber périodiquement le film par des flash-backs franchement pas finauds ? Pourquoi forcer le constraste en faisant de Romain un photographe de mode, en caricaturant à outrance le début du film ?

C'est d'autant plus incompréhensible que le film est tout autant traversé de moments de grâce: un simple plan d'yeux hagards tressautant dans un rétroviseur, le temps suspendu, adossé à un arbre, les adieux à Jeanne Moreau. Parce que les acteurs sont excellents, sans exception. Et parce que globalement, le film, sec comme un coup de trique, ne laisse que très peu la place au mélo.

Il lui sera donc beaucoup pardonné.

Mais ça ne fait pas tout.

Il reste que Match point est un film que je trouve totalement antipathique. Qui joue avec facilité et paresse du mélange de classe (toi aussi, aide Jonathan Rhys-Meyer à trouver une cravate pour l'opéra, clicke sur Harrod's si tu as besoin d'aide), et à son suspense facile (clashera ? clashera pas). Qui pose comme un fait accompli le double standard masculin, façon petit mâle du XIXème (la femme pour faire des gosses, la maîtresse pour la galipette). Qui cache derrière une petite amoralité - le seul élément un peu réjouissant du film - un conformisme peu ragoûtant.

Oui, ce n'est pas du Woody Allen habituel. C'est bien plus vivant, enlevé, imaginatif. Mais je ne suis pas sûr d'y avoir gagné au change.

Alors évidemment, quand ça n'arrive pas, on est un peu dépourvu. Alors quoi ? Donc Broken Flowers, un film en plusieurs chapitres, sur un Don Juan qui apprend qu'il a un fils, que ce fils le cherche, qui va à reculons visiter ses anciennes amantes d'il y a 20 ans. Roadmovie entre routes et aéroports, Bill Murray qui traine sa carcasse dépressive, poussé à l'action par un voisin haut en couleur. Les ex font un peu trop panel sociologique, mais restent néanmoins quelques moments de grâce: la première rencontre avec Sharon Stone et sa Lolita, un dîner de gêne extrème, une scène émouvante chez une fleuriste, un final ambigu avec un Don qui va se retrouver de force en prise avec le monde.

Bref, tout cela n'est pas si mauvais, mais avec l'impression qu'il faut tamiser dru pour trouver quelques pépites.

Mais le film brille à instiller un univers loufoque, décalé, avec une bonne part de mailaise. La première partie du film est à ce titre franchement intéressante, avec Zabou Breitman et Bruno Podalydès presque inquiétants à force d'être en décalage total, et les autres seconds rôles (Vincent Elbaz, Olivier Gourmet, Michael Lonsdale) sont tout aussi réjouissants. Le burlesque tintinesque du premier opus fonctionne toujours aussi bien, et la photographie est absolument splendide. Alors quoi ? une photo hors norme, un film burlesque, un climat d'étrangeté, ça suffit déjà à être bien au dessus de la moyenne dans la production française.

Et j'avoue, j'ai un peu pouffé en voyant un jeune Keanu Reeves poudré et fardé, délicieusement emprunté.

Oh, c'est la millième notule, dans la troisième mouture de MindFood. La première était une bête page HTML éditée à la main, mi 1998 à Montpellier, sur une idée de Bertrand alors exilé loin des écrans français. Champagne!

Eh non, je ne trouve pas Romain Duris crédible une seule seconde dans ses grande envolées philosphique sur l'Amour (qui ne vient pas quand on est seul, qui s'en va quand on en l'est pas, qui complique tout dans les autres cas). Et le personnage d'Audrey Tautou réussit parfaitement à être crispant au point que l'on se désintéresse totalement de ses malheurs. Les intrigues secondaires pourraient éveiller un peu d'intérêt (le gamin, la mère, la vie professionnelle), mais arrivent un peu n'importe comment et disparaissent de même.

Certains choix de mise en scène sont intéressants, audacieux, marrants. Ça change, c'est inventif, c'est gonflé. Le récit lui-même se fait couper en petits morceaux, explore des pistes possibles, revient, se retrouve. C'est pas du De Palma, mais ça change du cinéma français habituel. Mais là encore, la platitude du fond plombe un peu la forme, et une comparaison vient à l'esprit avec le "voyage européen" de "Rules of Attraction", lui aussi en collage/accéléré/dynamitage, mais combien plus efficace.

Que reste-t'il à sauver ? Cécile de France et son personnage de lesbienne forte en gueule (et -la- vraie scène de comédie du film, chez le grand-père). Et Kelly Reilly évidemment, craquante et qui sonne juste en Wendy, ce qui ne s'applique guère aux autres. Les autres habitants de l'"auberge" ne sont (malheureusement) là qu'en faire-valoir.

Tout comme "l'auberge espagnole" m'avait énervé par son coté tapons-dans-le-coeur-de-cible-coco, "les poupées russes" me restera probablement comme une caricature racoleuse et pas très fine des états d'âme des trentenaires, une disgression pas très engageante sur le mariage et le papillonage. Très bavard, bizarrement construit, et véhiculant une vision de l'époque guère finaude.

Et ça m'énerve. Parce que j'ai -envie- d'aimer les films de Klapisch. Parce que c'est un des rares à avoir l'audace de prendre l'air du temps comme sujet. Sauf que non.

Et j'avais tort.

Parce qu'un peu comme pour Batman, Burton arrive à se glisser dans quelque chose qui pourrait être franchement lénifiant et le pervertir en douce. La première scène d'entrée dans l'usine de Wonka en est une très bonne métaphore d'ailleurs: un spectacle assez rose bonbon qui a de quoi laisser dubitatif (spectacteurs et personnages, d'ailleurs), et qui tourne au noir.
Donc, ça fonctionnne, à la fois parce que Tim Burton n'a pas trop coupé les griffes à Roald Dahl, et parce que la fantaisie des deux univers se conjugue franchement bien. Rajoutez à ça un Danny Elfman qui s'amuse manifestement comme un petit fou (l'animal se paie le luxe de faire toutes les voix des - hilarants - épisodes chantés des Oompas Loompas), Johnny Depp aussi décalé, grimaçant et bizarre que dans Pirates des Caraïbes, et des seconds rôles caricaturaux à souhait, et quelques détournements cinéphiliques absolument énormes.

Bref, une très heureuse surprise.

Hormis les très maladroites voix off du tout début et toute fin du film, "Douches Froides" reste très peu explicatif et c'est tant mieux. Comment Clément en vient à s'insérer dans le couple ? Par sa position sociale ? Par pure envie et plaisir de Michael et Vanessa ? Via une provocation ou une envie de plaire de Michael ? Et même l'évolution du triangle reste assez mystérieux. Vanessa est sans doute le personnage le plus passionnant du film: directe, imprévisible, et en même temps mature, capable de mettre les autres devant leurs propres contradictions.

C'est dommage que la mise en scène ne suive pas forcément, les dialogues, les scènes familiales, la fête, cela manque un peu de regard, mais par contre, les scènes de sport sont nettement plus passionnantes, rythmées, elliptiques, tout comme les scènes d'intimité physique, à la fois très détachées et complètement frontales.

Donc, douches froides, ou les corps contraints: corps qui perd 8 kilos - à cause d'un autre corps blessé - , corps titubant par l'alcool, corps qui se donne aux autres, courbatures, rapports amoureux, combats. Et contrairement à d'habitude, ce n'est pas le corps qui trahit. Bref, Pas parfait, mais intéressant, prometteur, et singulier dans les sorties actuelles.

Donc voilà, Sin City, une succession d'histoires courtes, un peu mêlées, violentes et glauques, qui seraient inregardables dans un film classique. Le film ne fonctionne d'ailleurs jamais aussi bien que quand il va dans l'outrance graphique, les inserts, les plans très violemment contrastés, les ombres chinoises, bref, quand il colle à l'ambiance graphique sans concession des BD de Frank Miller. Les scènes qui retrouvent un éclairage un peu plus classique (par exemple des plans de visage de femme, quelques scènes d'exposition) font presque sortir de l'ambiance.

Evidemment, le casting est impressionnant, mais -hormis Bruce Willis- n'écrase jamais les personnages. En particulier Marv, superbement joué par Mickey Rourke en bloc de chair butée, et Dwight (Clive Owen), archétype du détective hard-boiled de film noir. Car finalement, Sin City c'est ça, bien plus qu'un film "de BD", ou une prouesse technique, un superbe dépoussierage du grand film noir, de ses magouilles d'influences, des putes et des flics, des bouges. Youpie.

Le tout donne un film sympathique en diable, qui donne souvent l'impression d'être dans une sorte d'univers parallèle, comme une ambiance très années folles transposée dans la savoie d'aujourd'hui, avec villages fleuris, maison anglaise d'un colonel des RG (Dussolier, excellent) et sa femme trop curieuse (Catherine Frot, peut-être un peu trop dans le registre de la Dilettante). On n'est pas loin d'un réalisme merveilleux à la "Adieu, plancher des vaches"

Les seconds rôles, à commencer par Laurent Terzieff et Geneviève Bujold mais tout autant les tronches occasionnelles sont formidables. Et l'ambiance de course au trésor est un bon prétexte pour passer de décor en décor, tout en parsemant les dialogues de répliques savoureuses. Mais... Mais alors qu'est-ce qu'il manque pour un très bon film ? Probablement une réalisation nettement plus nerveuse, et une image un peu soignée, l'ensemble fait parfois une vague impression de téléfilm, et c'est dommage, vu la qualité du matériau.

Donc oui, c'est un mieux. Oui, l'histoire est singulièrement mieux fichue que les deux, oui, Lucas arrive à peu près à renouer tous les fils pendants sans sortir trop de lapins de son chapeau. Mais quelle misère d'avoir Ewan McGregor ou Natalie Portman et les voir à l'écran avec le charisme et l'énergie d'une huitre. Hayden Christensen est fort heureusement moins falot et inexistant que dans l'épisode précédent, donc l'ensemble reste supportable. En fait, les deux acteurs qui tirent le mieux leur épingle du jeu sont Yoda (comme me glisse V., c'est un peu symptomatique - comme pour LoTR - que le meilleur personnage soit un CGI), et Ian McDarmid. C'est amusant de voir que les seules scènes vraiment intéressante pour le jeu soient le retournement progressif d'Anakin par Palpatine. Là, Lucas arrive a contenir son penchant pour les sur-explications. De même, la fin du film est relativement sobre. Alors évidemment, c'est dommage que les dialogues soient particulièrement foireux, que Lucas aligne les scènes comme à l'usine, que malgré un scénario qui tient le choc, l'ensemble manque singulièrement de rythme et et se permette des moments foncièrement inutiles (dont l'escapade chez les wookies).

"Dans la famille Haruno, la cadette médite gravement sous ses couettes (comment se débarrasser du double géant d'elle-même qui l'épie sans relâche ?), l'aîné lycéen joue au go, tombe amoureux et court ou pédale à en perdre le souffle, la mère dessine des mangas animés sur la table de la cuisine et bondit sur sa caméra lorsque son beau-père, lui-même dessinateur et passablement fêlé, exécute devant elle le mouvement parfait qu'elle cherchait pour un personnage, le père soigne par l'hypnose des patients qui jouent avec les anges, tandis que l'oncle ingénieur du son déambule, croise un ancien amour, ou observe des mains qui dansent le long d'une rivière. Les trains glissent à travers la campagne comme glissait le train du Voyage de Chihiro, les super-héros s'empêtrent dans leurs costumes trop grands, le vent dans les arbres en fleurs fait pleuvoir les pétales.

Et puis quelqu'un meurt, et juste après les funérailles, la visite dans la chambre de celui qui n'est plus mais dont l'odeur flotte encore donne lieu à une scène tout à la fois légère et bouleversante, grave et souriante, belle à en avoir les larmes aux yeux.

La première gorgée de thé, et autres plaisirs minuscules... Doudingue, lent et contemplatif, agité du bocal, poétique, plein de petits riens et d'effets spéciaux drolatiques, improbable, un film bulle de savon, un petit bonheur cinématographique, inégal peut-être, mais ô combien précieux : c'est The taste of tea, de Katsuhito Ishii. "

C'est un documentaire terrible, glaçant, et terriblement humain. Hubert Sauper ne cherche pas à stigmatiser, pointer du doigt, il avance doucement dans le quotidien des hommes et des femmes tombés dans cette hallucination économique, leur courage tranquille, l'aveuglement du monde extérieur. Il n'y a pas d'ennemis, à part peut-être le consommateur occidental qui va choisir le poisson le moins cher, ou quelques marchands d'armes, pas vraiment d'espoir, mais au moins il y a un témoignage, indispensable.
C'est à voir. Vraiment.

Là où le film est plus finaud, c'est que Kerry Conran respecte aussi l'ambiance et les tics de mise en scène de cette époque, du gentil machisme du bel aventurier (Jude Law, qui s'amuse manifestement comme un petit fou) envers la belle reporter, les attitudes parfois très "vers l'infini et au-delà", une musique de film comme on n'en fait plus. L'histoire elle-même a le goût de ces serials, films de matinée chers à Spielberg et Lucas.

Bref, ce film c'est un peu ce qui se passerait si on envoyait Indiana Jones dans l'univers de François Schuiten. Le film d'un passionné (Conran a trouvé un producteur après avoir préparé un court métrage pendant 4 ans dans son salon!), franchement atypique, carrément gonflé, et une belle réussite.

"La vie Aquatique", c'est donc la tranche de vie d'une expédition de la Zissou Team, conduite par Steve Zissou, doublure dépressive d'un J-Y Cousteau en fin de course. Son ami de 30 ans (tm) s'est fait machouiller par un requin, un fils (de 30 ans, également) lui tombe dessus, une reporter de même, ses copains explorateurs se moquent de lui et son couple n'est pas en forme.

Bref, c'est la catastrophe, et c'est hilarant. Bill Murray joue à merveille le patriarche barbu au regard vide, en pilotage automatique de chef de bateau auquel plus personne ne croit - même si ça fonctionne encore, parfois -. Ses acolytes sont des ratés flamboyants, dont un Willem Dafoe façon chien battu, les dialogues touchent au sublime dans le décalé, l'absurde. Et tout gravite, oscille, tient en place et fonctionne comme par hasard, y compris un Jeff Goldblum en nabab océanographe.

Même la mise en scène tangue. Les intertitres reprennent un titrage très documentaire-du-dimanche à la télé, on voit presque les fils des effets spéciaux, du Bowie chanté en portugais traverse tout le film, des plans géniaux traversent tout le bateau d'un bout à l'autre, survolant les cloisons, et le plus beau, c'est que jamais Wes Anderson ne se paie la tête de son bal des ringards, leur laissant toute leur tendresse et leur générosité.

Première force du film: garder un lien entre les différents visages du personnage, le névrotique, l'ingénieur génial, le pilote d'essai, le playboy. DiCaprio arrive à faire cohabiter toutes ces facettes sans avoir une impression de puzzle, même dans une même scène.

Le film fonctionne d'autant mieux à mettre en lumière la névrose de Hugues qu'il évite tout effet. Hugues aux toilettes, se savonnant frénétiquement ("The big shave" n'est pas loin) ou bloqué sur une phrase m'ont semblé bien plus glaçantes que la peinture d'un Hugues reclus en train de sombrer, la peau tavelée de cicatrices et du grain d'une pellicule.

Bref, très belle mise en scène, avec quelques idées très sympatiques (comme certains 'fondus au noir' faits avec l'éclairage des scènes), DiCaprio excellent, Cate Blanchett qui s'est manifestement amusée comme une folle à peindre une Katerine Hepburn bigger than life. A voir.

C'est tout au moins le voeu de départ, dans la pratique les choses sont moins nettes. Est-ce parce que Woody Allen mélange si souvent "tragédie" et "comédie" dans ses autres films qu'ici il peine à faire deux histoires sur des modes radicalement opposés ? Est-ce que cette opposition n'était qu'un prétexte de conteur ? Je penche plutôt là-dessus.

Donc, deux-trois choses aimées dans le Woody de l'année:
1) L'impression que les personnages 'jeunes' tombaient un rien moins dans la caricature intello-new-yorkais que d'habitude. Par opposition, chez les personnages agés, c'était pire que jamais.
2) Une ou deux vraies scènes de comédies, qui fonctionnent sur autre chose qu'une volée de répliques. Par exemple, la robe de chambre et la porte.
3) Chiwetel Ejiofor, Chloe Sevigny, et le personnage de Cassie.

Tâche redoutable pour Soderbergh, réussir à maintenir l'élégance et la légereté du premier opus. Il s'en tire tout à fait bien en gardant le ton d'Ocean's Eleven, mais en éclatant le scénario et la forme: au lieu d'un film centré sur un gros coup, on multiplie les situations. Au lieu d'une unité de lieu et de temps, 12 rassemble des pièces disparates, s'amuse à faire apparaître et disparaître des figures majeures, tels Andy Garcia et Vincent Cassel. Même les liens au sein de la bande ne sont pas aussi marqués que dans le premier film, et filmés comme des regards en coin, des asticotages, des fractions des 11, regroupés selon les moments et les circonstances.

Alors 12 ? Un éloge de la dispersion, par un réalisateur qui sait s'affranchir de l'histoire, des épisodes attendus, et ne faire tenir un édifice fragile que par la puissance d'un style faussement cool et nonchalant.

Le pitch est excellent, une famille de super-héros condamnée à vivre une vie ordinaire. C'est peut-être les scènes d'actions qui sont un petit peu plus classiques, tout le reste est plus que savoureux: la vie de famille, le personnage hallucinant d'Edna Mode, la banlieue et l'entreprise... et de tout ça c'est sans doute Mrs Incredible la plus belle réussite du film.
Ah oui, et c'est de l'image de synthèse aussi. Mais on s'en fout. Ou presque.

Evidemment, The Incredibles est une savoureuse réinterprétation de l'ambiance des premiers James Bond, des Avengers, du Prisonnier, de leur côté base-secrète-île-perdue-meubles-design-d'époque. Mais on ne cherchera pas dans le film une citation directe d'une autre pellicule, c'est juste d'une influence complice et souriante dont il s'agit (la discrète esthétique Fifties est une des plus belles réussites du film).
Et c'est pour moi un des traits de ce qui sort de ce studio d'éviter de surcharger leurs films de parodies directes, de reprise, de clins d'oeils. Ce coté ogresque de Shrek, bouffeur de scènes cultes, déconstructeur, n'apparait presque jamais dans les Pixar. Et je ne vois pas du tout dans Incredibles, comme je l'ai lu pas loin, un film ultra-référent.
Si j'avais à faire un parallèle avec Spiderman par exemple, ce n'est surement pas dans une scène particulière (même le train dans l'introduction), mais dans la manière subtile de mêler les moments obligés d'un cinéma qui se réclame du "film d'action" et des personnages filmés à hauteur d'homme, dans leurs petits soucis prosaïques. Et on retrouve la démarche de Sam Raimi dans celle de Brad Bird ou Pixar en général: pas de second degré gratuit, filmer un film fantastique comme si c'était une histoire très ordinaire.

Alors évidemment, c'est bien plus difficile de travailler au premier degré, d'avoir une histoire qui tienne la route, des caractères solides. Des fois (Nemo ?) c'est limite, mais quand ça marche (Monsters, Incredibles), ça donne de vrais films - mémorables.

Ou bien un grand film historique, d'ambiance, un film capable de rendre la guerre des tranchées avec la même violence à l'instar de ce qu'à fait Spielberg pour le débarquement ?

Ou bien un Jeunet Jeunetissime, avec sépia travaillé, recréation maniaque des pavillons des Halles, d'Orsay, grands mouvements de caméras, détails Améliesques en diable (les petits paris de Mathildes, le téléphone, les machines absurdes, le gravier, ...) ?

Bref, c'est le foutoir, et le film peine à réunir ces fragments. Et c'est dommage, parce que le film n'est jamais aussi fort que dans l'enfer des tranchées et dans la reconstitution des destins des poilus. Et que dès que le film tourne autour de ces personnages et des seconds rôles qui gravitent, tout s'anime (uh, les scènes de Jodie Foster). En comparaison, le personnage de Mathidle est étrangement fade, répétitif et curieusement mise en place (par exemple l'histoire d'amour exposée à la hussarde). Un signe de l'échec honorable de l'expérience: on aimerait entendre le commentaire de Jeunet sur son film.

Le film pêche par contre par deux points. D'une part, l'absence totale de débat contradictoire avec un point de vue venant de la Fox fait que l'on pourrait retourner contre Greenwald le slogan honteux de la Fox "Fair and Balanced". D'autre part, pour un film titré "the Rupert Murdoch's War on Journalism", on aurait pu aimer avoir plus d'informations sur Rupert Murdoch, la manière dont il a construit son empire médiatique, ou tout au moins sur son implication directe ou non dans la ligne directrice de la Fox, et savoir si ces pratiques déshonorantes pour le journalisme se retrouvent aussi dans d'autres titres ou chaînes de son empire.

Bref, c'est un tract. Efficace, effrayant et nécessaire, mais un tract. Il a le mérite de montrer la fragilité des réponses possibles face à des entités qui ont délibérément décidé de passer outre toute règle.

C'est un film fauché, mais extrèmement finaud. Délépine et de Kervern se débrouillent très bien avec les contraintes de tournage (noir et blanc ultra granuleux, son direct) avec une mise en scène épatante. Les plans durent, s'étirent, jusqu'à déclencher un rire gêné, le son est particulièrement travaillé: les dialogues en langues étrangères restent non doublés et non sous-titrés, le travail sur les ambiances sonores, les bruits industriels, font parfois penser à Eraserhead. Le tout est inventif, très drôle, surprenant, avec avec quelques moments hors du commun (dont un Poelvoorde ignoble à souhait), et bien plus raffraîchissant que la plupart des films français récents.

Il n'y guère a dire à propos de ce film. Jaoui jaouise la stressée directe, Bacri bacrise l'écrivain infect et égocentrique. Quelques sourires avec le personnage de Pierre Millet, qui fait décidement beaucoup penser à Michel Houellebecq. Marilou Berry campe un personnage qui devrait être un rien émouvant, mais qui laisse finalement foncièrement indifférent, vu le stéréotype du personnage.

Par rapport au 'goût de autres', ce qui frappe, c'est le manque total de tendresse pour les personnages. "Comme une image" laisse l'impression désagréable d'un film profondément misantrophe où surnagent ici et là quelques dialogues labellisés Jaoui/Bacri. Quel intérêt d'appeler ce rondouillard personnage principal 'Lolita' ? Pourquoi une telle fin en queue de poisson ? On ne peut guère dire que le film est une charge contre le milieu parisien de l'édition tant les situations sont expédiées, ni sur la création. Reste le vague thème du vilain petit canard, mais vu la caricature des personnages, dur d'y trouver un intérêt.

C'est d'autant plus affligeant que parfois, le film trouve le ton juste, comme par exemple ces scènes ou Jim Carrey, passant d'un souvenir à l'autre se contente de sortir d'une librairie et se retrouver dans l'escalier d'un appartement. Le passage d'un décor à l'autre au sein du même plan suffit amplement à désorienter et rompre avec le réel, ou encore très simplement en jouant des perspectives. Cronenberg avait utilisé à son avantage ce genre d'idées dans eXistenZ. C'est dommage que Gondry ait si peu confiance en son sujet pour vouloir s'abriter derrière une surenchère visuelle et un scénario boursouflé. Et d'autant plus vexant que les clips de Michel Gondry sont bluffants.

Ce qui est épatant dans "Le Mecano de la General" c'est de percuter à quelle point le cinéma de Buster Keaton dans ce film est moderne. Les placements d'appareils, la nervosité du montage, le rythme général du film est non seulement tout à fait actuel, et en remontre sans soucis à certains réalisateurs contemporains de grandes fresques (et oui, je pense en particulier à George Lucas, dont l'épisode IV vu la veille fait franchement plat en comparaison). Buster Keaton arrive à passer de moments de poésie pure (dont la fameuse scène où il se trouve assis sur la bielle et entrainé malgré lui), des scènes d'action épatantes (la bataille finale) ou des plans dont la beauté plastique fait penser à Kubrick (comme les alignements de chevaux qui se rompent à la fin du film). C'est bien au delà du 'film noir et blanc comique' qu'on a à l'esprit quand on pense à Buster Keaton. A voir.

Un bon point: Edouard Bear est un loser. Voilà, c'est dit. Ecrivain mais nègre, introverti, incapable de vraiment communiquer avec les autres. Ridicule aussi, à monter des bobards un peu pathétiques pour se sauver de situations pas si graves Marie-Josée Croze est formidable, tout à fait à l'aise dans cette comédie, charmante, émouvante même, au point où elle éclipse souvent Edouard Baer.

Un film méchamment drôle. Méchant avec ses personnages: le destin du photographe, le footeux plus grand que nature, et drôle parce que ça frappe très fort, avec souvent des raccourcis, des ellipses féroces. Et non seulement les dialogues sont très réussis, mais en plus mis en parallèle avec une voix-off désabusée et hilarante du personnage d'Edouard Baer. Ce fil de pensée se double même ici et là de quelques scènes complètement surréalistes sortis de l'imaginaire du personnage.

Ce n'est pas un film facile, déjà parce que le personnage principal, incarné par Maggie Cheung, n'est pas facilement aimable. Butée, blessée, dure, à se débattre dans sa désintoxication, mordre les mains tendues. Ce n'est pas le moindre mérite du film d'éviter une trop cinématographique rédemption et de faire évoluer ce personnage que par petites touches, entre tentatives foireuses, humiliations et petits plaisirs retrouvés.

Le personnage de Nick Nolte est la plus belle surprise du film. Patriarche barbu pétri d'humanité, (grand)-père malicieux, bien qu'en pointillé, il illumine le film à chaque apparition. La mise en scène est très belle, très réussie. Nerveuse, fascinée par les lumières nocturnes (dont une scène superbe de Maggie Cheung face aux lumières lointaines d'une usine), très rock, dans le meilleur sens du terme. On retrouve un peu de la magie de l'effleurement des êtres de "Fin août", ou, dans une moindre mesure, de l'écriture d' "Alice et Martin".

L'idée ? Un huis-clos à objectif amoureux:une invitation à diner, deux collègues avec des vues l'un sur l'autre, un repas qui frôle la catastrophe, une boule de nerf et un faux placide,et un objectif affirmé: coucher, et plus si affinités.
Bref, l'idée est plutôt sympatique, mais le résultat est malheureusement un peu inégal. Ce sont peut-être les situations de comédies qui sont les plus convenues, mais quelque chose - une gravité, un peu de vérité - arrive à s'immiscer dans la fin du film, quand la fatigue, la répétition emportent un peu la gaucherie des personnages et la moquerie pas toujours tendre du metteur en scène.

Pour qu'un film fantastique fonctionne, et Jacques Tourneur était peut-être le premier à l'avoir énoncé, il faut le filmer comme une histoire des plus réalistes. Le premier volet montrait la difficile construction d'un super-héros, et le second continue dans cette voie. Spiderman II ? Un super-héros / anti-héros vaguement paumé, en panne (mh, il y a une métaphore freudienne à pousser, là - cf. une scène de docteur), systématiquement en retard.
Et comme Sam Raimi a un respect immense pour son sujet, et qu'à aucun moment un second degré railleur ne vient parasiter cet opus, du coup, il peut tout se permettre, tout passe. Y compris une Passion christique métropolitaine, une scène de gêne d'ascenseur à hurler de rire, des livraisons inhabituelles.... Et des gimmicks du genre 'zoom sur les visages aux yeux écarquillés' viennent pointiller parfois les origines Comics du film.

Autre qualité de la réalisation: jamais les effets de style (y compris quand on retrouve une ambiance de film d'horreur, ou bien les ralentis-plein-de-bonheur) ni la vitesse de l'action n'affectent la lisibilité. Là où la plupart des films d'actions se soucient tellement d'en flanquer plein la vue / plein les oreilles, Spider Man II retrouve avec des moyens modernes une précision et une clarté digne des grands films d'action ou d'aventures des 50/60's.

Bref, réussite totale, tant pour la profondeur des personnages (même Octavius brille par son ambiguité et son physique très peu 'grand méchant'), que pour la réalisation, l'équilibre parfait de cette mosaïque de styles.

Karin Viard et Agnès Jaoui: oui, effectivement, elles sauvent le film, ou tout au moins font qu'on ne s'ennuie pas systématiquement, mais on est loin de leurs grands rôles à l'une et l'autre. Leurs personnages très caricatureux les bloquent dans des jeux assez compassés et sans finesse, entre Karin Viard à la démarche systématiquement empruntée et gauche et Agnès Jaoui qui jaouise un rien, speed et cyclothymique.

Une des rares scènes amusantes est un filrt en cuisine qui dégénère, avec un dialogue un peu plus pétillant et un petit gag visuel. Le reste est filmé très, très classiquement, avec une musique qui surligne tous les virages du scénario.

Le problème de Shrek II, c'est que ça fonctionne pas mal par citations et parodies. Enfin, beaucoup. Ou plutôt, énormément. Voire quasi uniquement. Alors oui, c'est hilarant. Les dix premières minutes du film sont un pot-pourri absolument excellent de détournements de scènes, les décors de Far Far Away sont très pince-sans-rire, et un film qui reprend une scène de Mission Impossible (1) ne peut qu'être loué.

Bref, c'est très bon mais... il reste que je n'arrive pas à être vraiment emballé, j'ai l'impression que je ne garderai pas un souvenir ému de Shrek 2, et je me demande si ce n'est pas la surabondances de citations qui empêche un peu le film d'avoir une vie propre.
Est-ce que Shrek 3 sera l'équivalent de la Classe Américaine en animation ?

Le film en lui-même fonctionne bien, j'ai trouvé la forme presque moins foutoir que ses précédents, hormis peut-être la conclusion du film. Roger and Me, Bowling, étaient construits comme un progression vers une confrontation finale avec sa némésis. Le débat Bush / Moore n'arrive ici évidemment jamais, et la fin fonctionne un peu plus à vide. D'une certaine manière, la conclusion de Fahrenheit ne sera écrite qu'en novembre prochain.

J'en reviens aussi à mon commentaire sur 'Bowling'. Michael Moore est un des rares cinéastes aujourd'hui à faire des films authentiquement politiques, dans la lignée de (ne pas taper, comparaison audacieuse) Costa-Gavras ou Chris Marker.
Tout comme pour "Bowling", Michael Moore comme l'analyse d'un problème plutôt cerné (la peur et les armes aux USA, les zones d'ombres et mensonges de la famille et de l'administration Bush), mais ne s'arrête pas à la mise en lumière des dysfonctionnement, et continue vers ce qui est quasiment un discours de lutte des classes, en montrant que les populations défavorisées sont les premières victimes d'un système qui tire tous les profits de la situation. Une autre raison de l'intérêt de Moore aujourd'hui.

Mais tout cela n'est décidemment pas assez méchant. Dommage.

La vie est un miracle, c'est ça: un film qui bascule à sa moitié, des personnages qui s'excusent presque d'être devenus graves. Un très beau film.

Le scénario est malheureusement guère plus qu'un prétexte à cette jolie galerie de personnages, et les intrigues (une vieille danseuse sur le retour, la sinistre sécurité militaire, une vraie-fausse histoire d'amour, une mère et sa fille, ...) ne font que se croiser sans vraiment jamais se renforcer.

Et ils sont compliquées, ces personnages. Enrique, réalisateur, qui voit resurgir un fantôme de son passé, d'amour préadolescent, qui lui remet une version vaguement romancée de leur relation, exposée et explosée par un prêtre libidineux. Version qu'il va adapter à l'écran, jouée par l'autre. Revival perturbée par le retour du prêtre, qui a aussi sa version de l'histoire, et de ce qui s'en est suivi...

"La mauvaise éducation" est en permanence en train de jouer avec ces personnages, qui peuvent incarner plusieurs personnages, ou un rôle incarné par plusieurs personnages, dans le film, dans le film dans le film, dans l'imagination des personnages, dans leurs fantasmes... Je n'ai jamais vu un tel entrelacement des niveaux de récits, des réalités, hormis peut-être dans le très sous-estimé "Existenz" de Cronenberg.

Almodovar se défend d'avoir fait un film autobiographique, même s'il reconnait avoir mis des bribes de ses vies dans 'La mauvaise éducation', qu'il a mis plus de 10 ans à mûrir.
En voyant cette construction en poupées russe, je me suis souvenu de quelques paragraphes de l'Apostille au Nom de la Rose d'Eco (eh oui, encore à parler d'Eco): "Un masque, voilà ce qu'il me fallait. Je me suis mis à lire et à relire les chroniqueurs médiévaux, pour en acquérir le rythme et la candeur. Ils pareleraient pour moi; et moi je serais libre de tout soupçon. [...] C'est pourquoi mon histoire ne pouvait que commencer par le manuscrit retrouvé, c'est pourquoi cette histoire aussi serait une citation (naturellement). J'écrivis tout de suite l'introduction, plaçant ma narration à un quatrième niveau d'emboîtement, à l'intérieur de trois autres narrations: moi je dis que Vallet disait que Mabillon a dit que Adso dit... J'étais désormais libéré de toute crainte."

Le film brille déjà par sa photo: pas facile de rendre fascinant un même lieu pendant toute la durée de la projection. L'autre attrait de ce film, c'est la succession de petites touches, le récit en creux. Cela peut être de petits plans de rien du tout: un vieux moine traçant des idéogrammes d'un simple pinceau mouillé qui s'effacent en quelques instants, le surgissement d'une petite pointe de fantastique, donner un rôle "positif" et de compassion à un serpent, une scène de séduction frontale toute mignonne, ... Beau et inhabituel.

"Casablanca is not just one film. It is many films, an anthology. Made haphazardly, it probably made itself, if not actually against the will of its authors and actors, then at least beyond their control. And this is the reason it works, in spite of aesthetic theories and theories of film making."

Première réussite d'Immortel: éviter le piège de l'adaptation. La BD est inadaptable ? Ok, pas de problème, on fait comme s'il s'agissait d'un récit de troisième main, trituré, réinterprété. Garder l'esprit et non la forme.

Seconde réussite: faire du judo avec les contraintes techniques. Faire des personnages secondaires humains des créations digitales ne peut que paradoxalement renforcer l'émotion autour des personnages principaux, de chair ou non.

Troisième réussite: laisser en suspens. Hormis quelques scènes vaguement d'action très vite désamorcées, Immortel est intimiste, flottant. Horus attend la mort, Jill ne sait ce qui l'attend, Nikopol ne maîtrise rien. Le personnage le plus volontaire étant peut-être celui de Charlotte Rampling, autre passeur, à l'instar de John. Linda Hardy, Thomas Kretschmann sont excellents.

Quatrième réussite: charger, trop charger. Le film regorge de pistes, de lectures, de bribes d'histoires dont très peu sont résolues.

Cinquième réussite: l'humour, tant visuel (les ectoplasmes de salle de bain) que dans le décalage ("j'aime beaucoup ce que vous faites"), les citations (Brazil, ..), l'ironie et l'auto-dérision de la Trilogie.

Sixième réussite: la cohérence de l'ensemble, et pas seulement visuelle (même si la patte Bilal dans les textures, les architectures, les visages, ... est toujours là).

Ah, et j'adore la conclusion de la dernière scène. Complètement en ligne avec le reste.

Sans doute pas le meilleur Burton, mais assez touchant: jamais Tim Burton n'avait vraiment osé sortir de ses mondes irréels et aborder un peu de front ques relations humaines 'normales'. Attention, ça reste caractéristique: les scènes illustrant les bobards magnifiques sont un vrai patchwork des mondes imaginaires des films précédents. Et parfois c'est très très réussi, comme la superbe idée de la 'sorcière' mise en boucle dans le film, ou bien le monde du cirque rêvé.

Mais malheureusement, les alternances de séquence entre la réalité et ses accrochages père-fils et le monde merveilleux, burtonien en diable, des histoires énormissimes finit par lasser. Sleepy Hollow, Beetlejuice, Batman avaient cet avantage de plonger immédiatement et sans concession le spectateur dans un univers gothique et luxuriant. Par contre, le coeur de Big Fish soumet ce même spectateur à une douche écossaise où le retour aux moments de réalités a un vague parfum de gueule de bois.

Mais l'excellente surprise, c'est que le film arrive quand même à retomber sur ses pattes, en faisant précisément éclater ces frontières: les belles histoires, : les détails et les fils se recroisent enfin et les scènes finales arrivent à trouver une émotion que Tim Burton peinait à retranscrire jusqu'ici.

Le point fort du film, c'est évidemment sa photo: les tons froids, les lumières hautes des flamands sont magnifiquement recrées. Faire un film où l'on puisse avoir l'impression d'être en permanence dans un Vermeer a du être plus que jouissif pour les décorateurs.

Par contre, le scénario manque singulièrement d'enjeu. Il ne faut pas y chercher une fresque historique ni le Mystère de l'Art, c'est une juste une intrigue très plan-plan autour des petits malheurs et bonheurs d'une servante d'un grand maître. Très insipide.

Bon bon bon. C'est plutôt agréable, mais c'est très inégal, et le rythme du film est très étrange. On passe un gros tiers sur une comédie romantique plutôt classique je-t'aime-je-t'aime-pas et le reste sur la situation kafkaïenne de ce pauvre Cary Grant, qui finira grimé en infirmère militaire. Intéressant quand même car c'est plus une comédie de situation(s) que des dialogues feux d'artifices (malgré quelques perles: "il s'appelle comment ce bébé ? - Niagara"). Et il y a quelques très belles scènes où Cary Grant, essayant de dormir dans des lieux on ne peut plus inconfortable, joue sur un humour très physique, ne sachant que faire de ses mains, très Buster Keaton.

Sofia Coppola dessine tout cela à très petites touches, c'est un film qui ressemble à de la pluie qui frappe aux vitres. Le récit de cette idylle très sage, très tranquille est emprunt d'une mélancolie, comme si les personnages avaient déjà la nostalgie de ce moment hors du temps, de cette tendresse partagée pour un temps. Le rapprochement de Bill Murray et Scarlett Johansson est filmé avec une infinie douceur (cf. cette très belle scène où les deux personnages sont filmés dans un lit, chacun dans son coin... On n'est pas loin de l'épée séparant Tristan et Yseult). On se demande presque pourquoi avoir situé l'histoire au Japon ? Sans doute pour rendre indispensable cette bulle, cet ilot que forme l'hotel et où se retrouvent Bob et Charlotte après s'être un peu mouillé les pieds en se paumant dans cette autre culture.
La mise en scène est très épurée, plein de belles idées malgré quelques points un peu trop forcés (la bimbo flirtant avec le mari). Une scène dans une piscine presque déserte m'a fait penser à 'Bleu', qui a peut-être quelques points communs intéressants.
Très belle bande originale également, surtout pour les nappes de guitares de Kevin Shields.

Baz Luhrman avait une approche bien plus intéressante et valide avec son Moulin Rouge, garder l'esprit de l'époque, le mélange de ritournelles familières, le kitsch, et en faire une transcription moderne.

S'il fallait un adjectif pour Mystic River, je crois que (paradoxalement ?) cela serait "serein"

Bref, tout est raté: les dialogues atteignent des sommets de ridicule, que ça soit dans le mielleux émotif ("ta formation est finie, jeune jedi, euh, petit"), ou le pseudo-profond ("mais pourquoi ?" - "tu le sais" - "oui, je le sais, mais pourquoi le sais-tu" - "parce que c'est ainsi"). Le film n'a aucune structure (quelqu'un pourrait-il m'expliquer l'intérêt du premier tiers du film, à part gagner du temps ?), les situations risibles (ah, le club SM pour provincial en goguette, ou bien le "oooh le soleil" que l'on avait pas vu depuis Highlander 3). Les moments d'émotions sont à l'instar des batailles: longues, inintéressantes et mal filmées. Quand aux effets, manifestement le seul objectif était d'en trouver 2 ou 3 et de les montrer et remontrer et remontrer (faut rentabiliser le soft, coco, flanque moi encore un coup de pluie et un système particulaire de sentinelles).

Le tout nous donnant donc la série Z la plus chère du monde. On applaudit bien fort.
(et qu'on ne vienne pas me sortir l'argument "ouais, mais c'était pas un film moldo slovaque des années 30 donc tu peux pas aimer", des blockbusters excellents, ça existe, cf. Spiderman).

La narration est éclatée: on revient sur les mêmes lieux, on suit (au sens propre) un personnage, on passe à un autre, on y revient. Rien ne nous indique -a priori- les relations entre eux, ou même les relations entre les plans ? Est-ce un autre jour ? une action simultanée ? ce n'est que progressivement que le puzzle se met en place et qu'on comprend que l'on assiste au prise d'une journée fatale, décomposée, recomposée.

Surcharge de causes, fautes, chacune est abordée d'une image ou d'une scène, et souvent aussitôt invalidée: l'alcoolisme d'un père, brimades, le manque de parents, les armes sur Internet, Hitler, les jeux vidéos, les gays, le désordre amoureux, etc. Accumulation qui rend rapidement impossible de suivre une explication unique. Alors évidemment, c'est moins facile et jubilatoire qu'une démonstration gonflée style Bowling for Colombine, mais Gus Van Sant arrive à tenir pendant tout le film en évitant voyeurisme et détachement clinique.

Sur la forme, Elephant fait souvent penser à Shining: des personnages isolés dans le monde clos d'une High School, dans une succession labyrinthique de couloirs et suivis par la caméra. Gus Van Sant joue beaucoup des flous et de la profondeur de champ: il prend le temps de suivre chaque personnage, avec une très faible profondeur de champ, gardant l'image sur le visage de ses ados et les faisant se détacher d'un monde flou et indistinct autour d'eux.

Le travail sur le son est très très fin: les quelques dialogues sont très découpés dans l'espace, isolées, et des musiques très ténues, très bruitistes sont toujours à la lisière. Le son reprend le choix d'une image où les personnages sont isolés, pris dans un bruit de fond. Bruit de fond de l'adolescence et de ses douleurs et où quelque chose se passe terriblement mal, brusquement.

Matrix Reloaded, c'est comme The Matrix, mais avec uniquement le côté ennuyeux. Le scénario ne cache même pas son manque d'amibtion, étant convenu dès le départ qu'il ne s'agit que de boucher les trous entre quelques longues séquences mal mises en scène de castagne. Oui, la performance technique est là, mais finalement, on s'en fiche un peu et on reste devant les images qui bougent avec une indifférence certaine.

Finalement, les seuls rares moments où Matrix Reloaded réussit, c'est quand revient ce décalage de la réalité qui faisait le charme du premier: une vieille mama qui mange des bonbons sur un banc public, un couloir infini de portes (vague écho d'étagères d'armes du premier ?) et d'autres portes qui donnent sur des lieux changeants; ou bien un Lambert Wilson jouisseur, trafiquant Grand Style, qui pour le coup, détonne de vie face aux ectoplasmes audacieusement qualifiés d'Humains qui lui font face.

Alors bien sûr, il y a une certaine jouissance à voir s'emboiter les pièces du puzzle, apprendre par hasard un élément manquant de la trame du précédant film, se rendre compte que l'on a lu une même expression sur le visage d'un acteur de trois façons opposées. La plus parfaite illustration est ici le personnage de Gilbert Melki qui passe du parfait fumier à l'homme blessé.

Il est difficile de porter un jugement comparant ces trois films, tant l'imbrication, les éclairages croisés et les relectures influent la vision, l'idée de trilogie en devient trompeuse: c'est un seul et unique fascinant objet cinématographique.

Contrairement aux autres films de Cronenberg, 'Spider' n'utilise pas de métaphores visuelles plus ou moins impressionnantes de la relation trouble entre les corps, ici tout tient dans la réalisation subtile et élégante. La 'contamination', thème cher à Cronenberg, se fait uniquement ici par un jeu de mémoire, par la mise en scène des souvenirs, du retour douloureux de 'Spider', le personnage schizophrène du film, sur son passé. La réalité, la mémoire, la déformation des faits par la folie de Spider sont rendus indiscernables, et les choix de Cronenberg (dont le fait de faire jouer deux personnages essentiels par la même actrices) font entrer le spectateur dans ce délire halluciné et étrange (ah, ces rues vides), sans le moindre effet gratuit.

Autre trait Cronenbergien auquel fait penser ce film: la volonté de faire des films comme des coups de sondes, sur un thème, rien qu'un thème, sans essayer de faire des films-monde.

The Party tient à la fois du comique purement visuel (la chasse à la chaussure), du dialogue absurde (où Sellers en indien gêné essaie péniblement de nouer une conversation à des invités hautains et indifférents) et du décor qui se révolte (les appareillages de la maison), le tout par l'entremise de Peter Sellers dont les moindres actions ont tendance à déclancher des réactions en chaîne.

Ce qui frappe dans The Party, c'est la manière qu'ont Blake et Sellers d'étirer une scène, la faire durer jusqu'à une sorte de gène, puis de rire nerveux et ensuite de franche rigolade. Le meilleur exemple est l'ouverture du scène, avec Sellers mourant, soufflant dans un clairon, une minute, deux minutes, cinq minutes. Cette manière de faire monter une tension avant une chute - souvent catastrophique - se retrouve dans tout le film. Peter Sellers est absolument fabuleux.

Bon, maintenant, où pèche le film ? Déjà dans les changements de tons incessants: on démarre quasiment dans un film d'espionnage, on passe par un film d'auteur, on finit par de (très beaux) plans nocturnes qui font penser à certains passages de Lost Highway. Ce qui est intéressant (mais un peu frustrant pour le spectateur), c'est que finalement, ces personnages qui font le commerce d'horreurs et qui sont foncièrement amoraux ne sont pas des "grands méchants" hollywoodiens. Juste des businessmen(women) pas très étincelants, qui sont préoccupés par leurs luttes de pouvoir, pas par leur conscience. Et ces gens d'affaire qui parlent anglais comme une vache espagnole, flirtent vaguement dans des hôtels anonymes, font assaut de buzzwords, ce n'est pas très glamour. Assayas filme très bien ces réunions creuses et gênées. C'est un film très froid, et qui ne laisse pas une seule possibilité d'empathie avec l'un ou l'autre des personnages, ce qui en fait une autre difficulté d'accès (c'est paradoxal, quand on pense à la très grande réussite qu'était "Fin août début septembre" de ce point de vue).

Une autre faute du film est peut-être d'avoir voulu à la fois montrer les luttes sournoises entre les organisations et les destins très particuliers des personnages ? Impliquer à la fois Diane dans les complots -et- dans l'impliquer directement et à répétition dans l'objet des complots (mauvaise périphrase pour éviter de spoiler), c'est un peu trop gros. C'est dommage. La mise en scène est aussi un peu trop agitée, et c'est dommage quand on voit la maîtrise de certaines scènes. Par exemple un beau dialogue final entre Charles Berling et Connie Nielsen où l'un comme l'autre ne montrent qu'une façade à l'autre, sous les yeux du spectateur qui a un peu plus d'information que chacun des personnages, avant que tous les rôles s'échangent. Joli vertige.

La critique d'Edouard Waintrop de Libération fait un parallèle très juste avec les romans de De Lillo: même cheminement souterrain, même manière glaçante et surprenante de tirer des parallèles entre des signes du monde contemporains, même goût du collage. C'est sans doute ainsi qu'il faut comprendre "DemonLover".

La limite de l'exercice est peut-être précisément cette fidélité: l'album original est l'un des plus fouillés et complexes de tous les Corto et l'adaptation cinématographique, qui a voulu en garder toute la richesse, peut perdre par moments un spectateur étranger au monde de Corto.

A voir, si l'on accepte de se laisser emmener.

Ah, et il reste une question importante: Charlton Heston en macaque haineux, c'est de la parodie ou la réalité ? :-P

Ce qui est fascinant avec Soderbergh, c'est sa capacité à changer de genre avec une facilité étonnante, et réussir à faire néanmoins quelque chose avec une touche très personnelle. Kubrick dynamitait et réinventait les genres à chaque fois, Soderbergh s'y glisse et y change un peu la décoration.

Même si certains gimmicks de son propre cinéma ressurgissent ici et là (zooms brusques, la "scène du lit" de Delicatessen), Jeunet a heureusement réussi à piocher bien plus loin. Des listes à la Perec, un petit trait de Stanley Donen, et la distance qu'il faut pour ne pas tomber dans le rose bonbon (ah, la voix off de documentaire concerné) et surtout, une peinture en petites touches, comme des miettes de madeleine pour nous faire revenir à chaque fois une bouffée de souvenirs. Qui disait qu'il était bien plus difficile de faire un vrai film de bonheur que de sombrer dans la noirceur ?

La légende dit que c'est en voyant la séquence de Clark Garble grignotant une carotte que Tex Avery eu l'idée de Bugs Bunny.

Et le 70 millimètres, ça assure.

Huppert, forcément épatante. Mais c'est plutôt Dutronc qui creuse sa place dans le film. Discret, disert, il "joue juste". Autre plaisir: l'intelligence des dialogues et des situations, pétillants, mordants, on sourit beaucoup.

Le côté peut-être un peu génant est le statut du film: reconstitution historique, réinterprétation, pure fiction ? Rien dans la mise en place de l'indique, et le texte "factuel" de la fin du film oblige un peu à accepter ce qu'on vient de voir comme la vérité.

C'est aussi la limite du film: la guerre des gangs de Beat au pays du MacDo n'est finalement pas si lointaine des clans de l'autre côté du pacifique. Cela fait que la partie centrale du film tourne un peu à vide, et ressasse encore et toujours les mêmes thèmes. Et finalement, c'est bien le début et surtout la fin de l'aventure américaine qui passionne. L'efficacité U.S., même en matière de mafia, n'est pas un vain mot.

Ambigü, troublant, avec un rythme très particulier. Gene Hackman est extraordinaire dans un personnage douteux et en plein doute, Harrison Ford dans un de ses premiers rôles. Une palme d'Or méritée.

L'autre aspect étonnant du film est la prééminence des femmes, entités véritablement agissantes et non simplement déclenchantes de l'action. Et - fait rare ces temps-ci - , le film brille aussi par l'absence totale de second degré: aucun jeu de dupe avec le spectateur, simple plaisir de raconter des légendes. "On fait comme si c'était vrai": l'arrivée de la magie et du fantastique dans le film est un vrai plaisir tellement elle se met en place par petites touches, sans irruption brutale qui romprait le rythme.

Ici, la Menace Fantôme semble plus se nourrir de sa propre chair et de sa descendance: des "gimmicks" que l'on retrouve (plongée dans un vaisseau ennemi pour le détruire de l'intérieur, cadres curieusement bucoliques, grosses bestioles qui bouffent un vaisseau) ou des emprunts à d'autres films qui portent déjà eux mêmes l'héritage StarWars (comme par exemple l'influence de Dune: décors baroques, thème de l'Elu et de la Prophétie, la Guilde du commerce).

Cet épisode là m'a paru curieusement ... explicatif. Du conseil des jedis qui fait un peu assemblée de vieillards vaguement réacs à l'explication quasi-scientiste de la Force, ou les détails de la bureaucratie en action, on n'est pas dans l'enthousiasmant. Et ce n'est pas un vilain au visage peinturluré et cornu (trop figuratif, Georgie) qui sauve la mise. Associé à une mise en scène assez plate (hormis les décors et personnages), cela en fait presque un documentaire sur le monde Starwars.

Finalement, l'intérêt que l'on porte au film était peut-être plus dans les hypothèses que l'on forge sur le futur (comment va-t'il devenir Vador, comment la République va-t'elle s'écrouler) que sur l'action elle-même. Le mythe est là, en germe, on le devine, mais on ignore comment il va se déplier.

Bref, je reste sur ma faim de merveilleux et d'ampleur. La trilogie avait ce côté "bigger than life" que je ne retrouve pas. Humains, trop humains.

Bah, peut-être un peu décevant, mais nettement moins que ce que l'on m'avait dit. Certes, le scénario est un peu faiblard, mais par contre, quelle mise en scène... Tantôt ironique, tantôt flamboyante, elle compense complètement le côté un peu désabusé du récit. Il n'y a qu'à penser à l'introduction, avec ce suicide du collectionneur, aussi stressante qu'hilarante. La photographie est magnifique, avec ces tons passés, dorés et chaleureux du monde des livres, les lumières de crépuscules, hors-temps. Du coup, on en oublie les devinettes assez inintéressantes de l'intrigue. C'est peut-être aussi ce côté négligé, très second degré (ah, l'arrivée de Balkan dans une réunion d'adepte), pas toujours explicite, qui en fait le charme.

L'intrigue en creux. Fox - Walken en maître cabotineur - et X - DaFoe, tendu, austère - vieux routards de l'espionnage industriel sont forcément des losers, manipulateurs manipulés. La seule chose qu'ils savent, c'est qu'il est impossible de connaître tous les tenants et aboutissants des luttes dans lesquelles ils essaient de louvoyer. Asia Argento, très bonne, en gamine diaboliquement habile.... Et le réseau/matrice, convaincant car invisible. On n'en voit que certaines manifestations - l'image immédiate d'un point à l'autre du globe, la surveillance. Pas besoin d'effets spéciaux (ce qui rejoint d'ailleurs quelque peu eXistenZ). Les citations à Blade Runner, un sushi bar, les vues aériennes de cheminées industrielles crachant leur fumée dans un fog jaunatre.

Et bon, la fin... On reste sur X hanté par ses souvenirs après le coup de . Le "rewind" sur l'embauche de Sandii où le jeu du chat et de la souris s'inverse complètement, qui montre à quelle point cette scène est impressionnante car totalement crédible dans chacune des deux lectures.
La fin autant là pour rapporter quelques bribes d'information que pour continuer à hypnotiser, replonger dans ce monde, une succession de petits chocs qui remettent en cause la vision du film que l'on vient d'avoir.

Et le générique final est à pleurer de rire.

Léger, très drôle, un régal.

Et cette fois-ci, je crois que j'ai bien reconnu tous les coins de Marne-la-Vallée... Revu le 15/1/2000